L'histoire

Michel-Ange

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Michel-Ange (1475-1564) était un artiste, architecte et poète italien, considéré comme l'une des figures les plus importantes et les plus influentes de la Renaissance. Ses œuvres les plus célèbres, parmi un portefeuille époustouflant de chefs-d'œuvre, incluent le plafond de la chapelle Sixtine à Rome et la statue de marbre géante de David, qui réside dans la Galleria dell'Accademia de Florence.

Considéré par ses contemporains comme le plus grand des artistes vivants, Michel-Ange a eu une grande influence sur les styles artistiques de la Haute Renaissance, du maniérisme et du baroque. Aujourd'hui encore, les œuvres du grand homme continuent d'arracher aux amateurs d'art du monde entier les sentiments qu'il entendait expressément produire dans tout son art quel que soit le médium : admiration de la forme et du mouvement, surprise et admiration.

Début de la vie

Michelangelo di Lodovico Buonarroti est né en 1475 de notre ère à Caprese, une petite ville près de Florence, en Italie. Contrairement à de nombreux autres artistes célèbres, Michel-Ange est né dans une famille aisée. À l'âge de 13 ans, il est envoyé étudier à Florence auprès du célèbre peintre de fresques Domenico Ghirlandaio (vers 1449-1494). Le jeune artiste a passé deux ans comme apprenti de Ghirlandaio mais a également visité de nombreuses églises de la ville, étudiant leurs œuvres et réalisant des croquis. La grande rupture de Michel-Ange est survenue lorsque son travail a été remarqué par Lorenzo de Medici (1449-1492 CE), chef de la grande famille florentine de ce nom et généreux mécène des arts. C'est dans l'impressionnant jardin de sculptures de Lorenzo que le jeune artiste a pu étudier de première main les œuvres des grands sculpteurs de l'Antiquité, en particulier les sarcophages romains décorés en haut-relief, et apprendre du conservateur artistique du jardin et sculpteur renommé Bertoldo di Giovanni (vers 1420 -1491 CE). Michel-Ange créera plus tard le tombeau en marbre de Lorenzo de Medici dans l'église de la famille Medici de San Lorenzo à Florence.

Michel-Ange s'est efforcé de créer un monde plus beau qu'il n'existait en réalité.

L'influence de ces œuvres classiques sur Michel-Ange est évidente dans les figures qui se tordent dans l'un de ses premiers grands chefs-d'œuvre, la sculpture en relief connue sous le nom de La bataille des centaures et des lapithes qui est maintenant exposé dans la Casa Buonarroti à Florence. La préoccupation de l'artiste pour l'antiquité dans la première moitié de sa carrière est amplement mise en évidence dans son travail mais aussi dans ses nombreuses tentatives délibérées de faire passer les sculptures comme réellement anciennes. En 1496 CE, par exemple, il a sculpté le Cupidon endormi (maintenant perdu) qu'il a volontairement vieilli pour en faire apparaître une authentique œuvre ancienne et qu'il a vendue avec succès au cardinal Raffaele Riario.

Michel-Ange se concentrait alors déjà sur la technique connue sous le nom de disegno où un artiste s'est concentré avant tout à essayer de capturer la forme, la musculature et les poses du corps humain à travers des croquis sur papier d'œuvres classiques qui ont ensuite été transformées en une sculpture ou une peinture entièrement nouvelle. Michel-Ange a également ajouté à cet héritage artistique une passion pour le rendu de ses personnages avec des poses dramatiques et le faire à une échelle monumentale, ce qui explique peut-être sa propre préférence pour la sculpture par rapport à d'autres médias. La combinaison d'exécution réaliste, de grandeur et de dynamisme deviendrait la marque de fabrique des œuvres du maître dans tous les médias alors qu'il s'efforçait de créer un monde plus beau qu'il n'existait en réalité.

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Les grandes œuvres de Michel-Ange parlaient d'elles-mêmes et ceux qui ne pouvaient pas les voir en personne pouvaient les admirer ou les étudier dans les nombreuses gravures réalisées.

Le principal artiste de la Renaissance

En 1496 de notre ère, Michel-Ange s'installe à Rome, ce qui lui donne encore plus d'occasions d'étudier des exemples d'art et d'architecture classiques. C'est à cette époque qu'il crée un autre chef-d'œuvre, le Pietà (voir ci-dessous). De retour à Florence v. 1500 CE, l'artiste était maintenant bien établi et il a été chargé de créer une figure pour non moins un lieu que la cathédrale de Florence. Michel-Ange a reçu un bloc massif de marbre de Carrare très prisé dont personne ne savait trop quoi faire. Le résultat fut un autre chef-d'œuvre, probablement la sculpture la plus célèbre de l'artiste : David (voir ci-dessous). Ensuite, un chef-d'œuvre utilisant des peintures, démontrant que Michel-Ange n'était en aucun cas limité à la sculpture. La Sainte Famille a été peint en 1503 CE et le travail est maintenant dans la Galerie des Offices à Florence. Vint ensuite une rencontre intrigante de grands esprits lorsque Michel-Ange et Léonard de Vinci (1452-1519 CE) ont tous deux travaillé sur des fresques dans la salle du Conseil de Florence. Le sujet de l'œuvre de Michel-Ange était la bataille de Cascina mais, comme l'effort de Léonard ici, elle est restée inachevée. On ne peut que spéculer sur ce que chaque grand artiste a pu apprendre de l'autre à cette époque.

Michel-Ange est retourné à Rome pour travailler sur la tombe du pape Jules II (r. 1503-1513 CE), puis il a reçu peut-être sa commande la plus difficile - peindre le plafond de la chapelle Sixtine de la Cité du Vatican (voir ci-dessous). Bien qu'il travaillait en grande partie seul et très souvent dans une position inconfortable au sommet d'un échafaudage, le plafond a été achevé remarquablement rapidement. Achevée en 1512 EC, l'œuvre n'a peut-être pas plu à tout le monde dans l'Église, mais sa vision centrale de Dieu parmi les nuages ​​s'étendant pour toucher le doigt d'Adam est devenue l'une des images les plus reproduites de tous les temps.

Michel-Ange continuera à sculpter et, beaucoup plus rarement, à peindre pour le reste de sa vie. Il a continué à écrire ses sonnets très admirés qui étaient fréquemment dédiés à la poétesse Vittoria Colonna (1490-1547 CE), bien que beaucoup aient été griffonnés au dos de croquis et de factures. Dans cet exemple, Sonnet 151 (c. 1538-1544 CE), l'artiste compare l'échec de l'art à empêcher la mort avec la recherche du véritable amour :

Même le meilleur des artistes n'a aucune conception

qu'un seul bloc de marbre ne contient pas

dans son excès, et cela n'est atteint que

La douleur que je fuis et la joie que j'espère

sont pareillement cachées en toi, belle dame,

élevé et divin ; mais, à mon mal mortel,

mon art donne des résultats à l'inverse de ce que je souhaite.

L'amour, donc, ne peut pas être blâmé pour ma douleur,

ni ta beauté, ta dureté ou ton mépris,

ni la fortune, ni mon destin, ni le hasard,

si tu gardes à la fois la mort et la miséricorde dans ton cœur

en même temps, et mes humbles esprits, quoique brûlants,

ne peut en tirer que la mort.

(Paoletti, 404)

Il y avait aussi de nombreux projets architecturaux importants, tels que la Bibliothèque Laurentienne, San Lorenzo, Florence (1525 CE) avec sa salle de lecture de 46 mètres (150 pi) de long, une combinaison triomphale d'esthétique et de fonction. D'autres projets comprenaient le nouveau look de la colline du Capitole à Rome (commencé en 1544 CE), le dôme en flèche de la basilique Saint-Pierre à Rome (à partir de 1547 CE mais pas achevé avant 1590 CE) pour lequel Michel-Ange a refusé d'accepter un salaire, et le Chapelle sépulcrale des Médicis à Florence. À juste titre, tout au long du XVIe siècle de notre ère, la chapelle des Médicis est devenue un lieu fréquemment visité par les artistes en herbe qui sont venus admirer et apprendre de la combinaison unique et visionnaire d'architecture et de sculpture de ce maître des arts. Michel-Ange est décédé le 18 février 1564 CE à Rome et a été enterré avec beaucoup de cérémonie dans la basilique de Santa Croce à Florence.

Réputation et héritage

Le grand artiste a lui-même été capturé dans plusieurs œuvres d'art survivantes. Un exemple frappant est le buste en bronze de son compatriote Daniele da Volterra (1509-1566 CE), qui, créé c. 1564 CE, réside maintenant dans le Bargello de Florence. La sculpture est réaliste et montre le barbu Michel-Ange avec beaucoup de rides et avec le nez légèrement aplati qu'il portait depuis que l'artiste Pietro Torrigiano (1472-1528 CE) l'avait cassé quand le couple était jeune (Torrigiano a été exilé de Florence en conséquence ).

Un enregistrement plus détaillé de Michel-Ange survit dans deux biographies écrites du vivant de l'artiste par Giorgio Vasari (1511-1574 CE) et Ascanio Condivi (1525-1574 CE). L'artiste toscan Vasari a achevé sa La vie des plus excellents architectes, peintres et sculpteurs italiens en 1550 CE mais ensuite largement révisé et élargi le travail en 1568 CE. L'histoire est un enregistrement monumental des artistes de la Renaissance, de leurs œuvres et des histoires anecdotiques qui leur sont associées, et Vasari est donc considéré comme l'un des pionniers de l'histoire de l'art. L'artiste italien Condivi, quant à lui, était un élève de Michel-Ange à Rome, et il a écrit son La vie de Michel-Ange en 1553 CE, un travail qui a été supervisé par le grand maître lui-même (ce qui explique peut-être un certain nombre d'éléments fictifs ou exagérés).

Ces deux biographies ont contribué à établir la réputation de Michel-Ange en tant que légende vivante, car d'autres artistes ont reconnu son génie et sa contribution au renouveau de l'art pendant la Renaissance. Naturellement, les grandes œuvres de Michel-Ange parlaient d'elles-mêmes, et ceux qui ne pouvaient pas les voir en personne pouvaient les admirer ou les étudier dans les nombreuses gravures réalisées qui ont été distribuées à travers l'Europe. Sa renommée dépasse également l'Europe. Le sultan de l'Empire ottoman Bayezid II (r. 1481-1512 CE) a entendu parler des compétences de l'artiste et l'a invité, sans succès, à sa cour. Les œuvres de Michel-Ange étaient même collectionnées, notamment en France. En bref, Michel-Ange était considéré comme rien de moins que divin - un terme fréquemment utilisé pour l'artiste de son vivant - et un détenteur d'un pouvoir artistique impressionnant, ce que ses contemporains appelaient terribilità. La lumière que le grand homme a jetée sur l'art et l'architecture occidentaux a continué à briller longtemps après sa mort et son travail a été particulièrement influent sur le développement du maniérisme et du style baroque qui a suivi.

Chefs-d'œuvre

Pietà

Les Pietà est une représentation en marbre de la Vierge Marie qui pleure le corps de Jésus-Christ qui repose sur ses genoux. Achevée entre 1497 et 1500 de notre ère, l'œuvre a été commandée par un cardinal français pour sa tombe dans une chapelle à Rome. D'une hauteur de 1,74 mètre (5 pieds 8 pouces), il réside maintenant dans la basilique Saint-Pierre. L'œuvre combine tous les aspects de l'art du sculpteur : une représentation hyperréaliste du corps humain, des plis complexes de draperie, le visage serein et contemplatif de Marie, le cadavre alangui de Jésus, et une composition qui rappelle les statues de dévotion nordiques mais offre quelque chose de jamais vu dans l'art italien. Que Michel-Ange ait été très satisfait du résultat est attesté par l'anecdote selon laquelle il a ensuite ajouté sa signature après qu'un artiste rival eut prétendu en avoir été le créateur.

David

Comme mentionné ci-dessus, l'offrande de Michel-Ange à la cathédrale de Florence était une sculpture en marbre du roi biblique David qui, dans sa jeunesse, a tué le célèbre géant Goliath. La figure est beaucoup plus grande que la taille réelle - environ 5,20 mètres (17 pieds) de haut - et si grande qu'elle n'a pas pu être placée sur le toit de la cathédrale comme prévu, mais a été placée sur la place en face. Michel-Ange a reçu environ 400 florins pour un travail qu'il avait commencé en 1501 de notre ère et achevé en 1504 de notre ère. David se trouve maintenant dans la Galerie de l'Académie de Florence tandis qu'une réplique grandeur nature se trouve à l'air libre du Palazzo della Signoria.

Le personnage est maintenant tout blanc mais avait à l'origine trois éléments dorés : le support de souche d'arbre, une ceinture de feuilles et une guirlande sur la tête. La seule identification qu'il s'agit d'une figure de David est la bandoulière sur l'épaule gauche de la figure. De plus, la maturité du corps pour ce qui devrait être vraiment une jeunesse, ainsi que la nudité de la figure, rappellent fortement les statues colossales de l'antiquité, en particulier d'Hercule. Ce n'est pas un hasard si Hercule figurait également sur le sceau officiel de la ville de Florence. Voici donc un message dans l'art que la ville se croyait l'égale, peut-être même la meilleure de toutes les villes de l'Antiquité. Michel-Ange a clairement dépassé les contraintes de la sculpture classique et a créé une figure qui est palpablement tendue, un effet seulement accentué par le front plissé et le regard déterminé de David.

La chapelle Sixtine

Comme indiqué, Michel-Ange a été chargé de peindre le plafond de la chapelle Sixtine, un bâtiment qui vient tout juste d'être achevé en 1480 de notre ère. Le plafond s'était fissuré gravement en 1504 de notre ère et a été réparé. Ce fut donc l'occasion d'ajouter à la décoration intérieure déjà impressionnante de la chapelle. Michel-Ange était loin d'être passionné par le projet qui l'occuperait de 1508 à 1512 de notre ère - et il y avait de fréquentes querelles passionnées avec le Pape - mais il est aujourd'hui considéré comme l'une de ses œuvres phares. Les fresques sont peintes dans des couleurs très vives et, pour aider le spectateur qui doit se tenir quelques mètres plus bas, Michel-Ange a utilisé la technique des couleurs contrastées les unes à côté des autres.

L'ensemble du plafond couvre une superficie de 39 x 13,7 mètres (128 x 45 pi). Les panneaux séparés montrent un cycle d'épisodes de la Bible racontant la Création à l'époque de Noé. Fait intéressant, la création d'Ève est le panneau central, pas la création d'Adam, bien que cela puisse simplement être dû au fait que les scènes sont chronologiques à partir du mur de l'autel. Il y a aussi sept prophètes, cinq sibylles et quatre ignudi qui n'ont rien à voir avec le récit religieux mais qui montrent l'amour de Michel-Ange pour les personnages audacieusement rendus dans des poses dramatiques.

L'œuvre a été un succès immédiat auprès de presque tous ceux qui l'ont vue, mais il y a eu quelques grondements de mécontentement. La principale objection était la quantité de nudité et la représentation des organes génitaux dans une poignée de figures. En outre, Le Jugement dernier partie de la chapelle, qui a été ajoutée à l'autel beaucoup plus tard par Michel-Ange entre 1536 et 1541 EC, n'a pas non plus été bien accueillie par certains membres du clergé. Le fait que Jésus n'avait pas sa barbe conventionnelle et paraissait un peu plus jeune que d'habitude était un point de discorde particulier. La compréhension de l'artiste de la théologie essentielle, ou peut-être son manque d'intérêt pour elle, car il était connu pour sa piété, et l'apparition d'encore plus d'organes génitaux ont conduit certains membres du clergé à déclarer l'œuvre comme une hérésie. Il y a même eu des appels pour le détruire. Heureusement pour la postérité, la stratégie plus modérée a été adoptée pour couvrir les éléments nus incriminés. La tâche de retoucher les fresques a été confiée à Daniele da Volterra, et cet artiste a par conséquent gagné le surnom assez malheureux de Il Braghettone ou "le fabricant de culottes".

Moïse

Comme mentionné, Michel-Ange a été chargé par Jules II en 1505 de notre ère de concevoir un tombeau imposant pour le chef de l'Église romaine. Commençant sur papier comme un monument grandiose, le tombeau a finalement été achevé en 1547 après JC après l'abandon de bon nombre des extravagances prévues. Un survivant est la statue assise de Moïse sculptée par Michel-Ange qui a la figure biblique tenant son bâton et tirant sur une barbe incroyablement longue, apparemment pour démontrer sa crainte de Dieu. La statue était censée être vue d'en bas et Michel-Ange a donc incorporé plusieurs corrections optiques. La figure, mesurant 2,35 mètres (7 pieds 9 pouces) de hauteur, a été achevée vers 1520 de notre ère et réside dans l'église San Pietro in Vincoli à Rome.


Bataille des Centaures (Michel-Ange)

Bataille des Centaures est un relief de l'artiste italien de la Renaissance Michel-Ange, créé vers 1492. C'était la dernière œuvre créée par Michel-Ange sous le patronage de Laurent de Médicis, décédé peu de temps après son achèvement. Inspirée d'un relief classique créé par Bertoldo di Giovanni, la sculpture en marbre représente la bataille mythique entre les Lapithes et les Centaures. Un sujet d'art populaire dans la Grèce antique, l'histoire a été suggérée à Michel-Ange par le savant classique et poète Poliziano. La sculpture est exposée à la Casa Buonarroti à Florence, en Italie.

Bataille des Centaures
ArtisteMichel-Ange
Annéec. 1492
TaperMarbre
Dimensions84,5 cm × 90,5 cm (33,3 pouces × 35,6 pouces)
EmplacementCasa Buonarroti

Bataille des Centaures était une sculpture remarquable à plusieurs égards, présageant la future direction sculpturale de Michel-Ange. Michel-Ange s'était éloigné des pratiques alors courantes de travail sur un plan discret pour travailler de manière multidimensionnelle. C'était aussi la première sculpture créée par Michel-Ange sans l'utilisation d'une perceuse à archet et la première sculpture à atteindre un tel état d'achèvement avec les marques du ciseau subbia laissées debout comme surface finale. Qu'elle soit intentionnellement laissée inachevée ou non, l'œuvre est importante dans la tradition de la technique de sculpture « non finito » pour cette raison. Michel-Ange la considérait comme la meilleure de ses premières œuvres et un rappel visuel de la raison pour laquelle il aurait dû concentrer ses efforts sur la sculpture.


Michel-Ange - Histoire

David est l'une des sculptures de la Renaissance les plus exquises réalisées au début des années 1500. Cette célèbre œuvre d'art a été créée par Michel-Ange, un célèbre artiste italien. La statue mesure 5,17 mètres de haut et c'est une figure en marbre du héros biblique nommé David. Ce jeune homme était aussi le sujet le plus courant dans l'art de la Renaissance, en particulier à Florence.

Points forts

La sculpture était à l'origine destinée à faire partie des statues de prophètes qui étaient placées sur la ligne de toit de la partie orientale de la Florence. De plus, il a été placé sur la place publique du Palazzo della Signoria, qui était le centre du gouvernement civique de Florence. En raison de la nature courageuse de ce héros biblique, il est finalement devenu le symbole de la défense des libertés civiles représentées dans la République florentine.

L'œuvre d'art est très différente des statues précédentes réalisées par d'autres artistes célèbres tels que Verrocchio et Donatello. David de Michel-Ange dépeint le jeune David avant qu'il ne se batte contre le puissant Goliath. Par conséquent, le visage du personnage semblait tendu et prêt au combat au lieu d'être victorieux à cause de la défaite de son ennemi.

Caractéristiques

L'œuvre de Michel-Ange est son interprétation du thème typique de la Grèce antique d'une figure biblique héroïque. Il présente la pose de contrapposto, qui est un aspect distinctif des sculptures antiques. Le courageux David se tient debout, tendu, une jambe détendue tandis que l'autre maintient le poids total de son corps. Par conséquent, ses épaules et ses hanches se reposent à un angle opposé. De plus, la tête de David se tourne vers sa gauche et il porte une écharpe dans le dos. Avec toutes ces caractéristiques, beaucoup de gens considèrent la sculpture comme un symbole de la beauté juvénile et de la force humaine.

La statue est également assez grande, par rapport aux contemporains de l'artiste à cette époque. En fait, la plupart des spécialistes de l'art considèrent la statue comme miraculeuse, car Michel-Ange a pu ressusciter une figure renommée qui était déjà morte. Bien qu'il y ait eu de nombreuses statues colossales jamais créées dans l'histoire, David de Michel-Ange est resté comme l'un des plus beaux et des plus impressionnants.

Il est également important de noter que certaines des caractéristiques de cette statue semblaient assez grandes, en particulier les mains et la tête. Cependant, l'artiste l'a fait exprès puisque la statue était destinée à être positionnée sur la ligne de toit de la cathédrale. Ainsi, il devait trouver un moyen d'accentuer certaines parties qui les rendraient visibles lorsqu'elles étaient vues d'en bas.

Détails supplémentaires

Cette silhouette apparaît plutôt élancée d'avant en arrière par rapport à sa taille. Selon les chercheurs, cela pourrait être dû au travail effectué sur le bloc avant même que l'artiste ne commence à le sculpter. De plus, la statue était considérée comme une image politique avant sa décision d'y travailler.

De toute évidence, David a longtemps été l'image politique préférée de Florence, car plusieurs œuvres d'art mettant en vedette le héros biblique ont été commandées dans la plupart des endroits importants de la ville.

Conservation et préservation

En 1991, le pied de la statue a été gravement endommagé lorsqu'un homme dérangé l'a brisé avec un marteau. Sur la base des échantillons collectés lors de cet incident, les scientifiques ont pu découvrir que le marbre avait été obtenu dans les carrières Fantiscritti de Miseglia, qui se trouvaient dans l'une des petites vallées de Carrare. Avec la dégradation du marbre, la statue a subi son tout premier grand nettoyage, de 2003 à 2004. Quatre ans plus tard, il était prévu d'isoler la sculpture des vibrations causées par les pas des touristes, afin d'éviter d'autres et dommages plus graves du marbre.

Plusieurs reproductions de la statue ont été réalisées au fil des ans. Par exemple, le moulage en plâtre de ce héros biblique est actuellement exposé au Victoria and Albert Museum. Cependant, cette statue a une feuille de figuier en plâtre, qui a été créée lorsque la reine Victoria a été choquée par la nudité de la statue. La feuille de figuier en plâtre est accrochée au personnage à l'aide de deux crochets, avant toute visite royale.

Au XXe siècle, la sculpture est devenue un terme emblématique de la culture de la ville. La statue a également été fréquemment reproduite, par exemple en imitation marbre, fibre de verre et plâtre, qui symbolisaient une ambiance de raffinement et de culture dans divers contextes tels que les chemins de fer miniatures, les casinos et les stations balnéaires. Ainsi, l'œuvre d'art est en effet la plus belle de l'histoire en raison de sa grande taille, de ses détails et de ses caractéristiques intéressants.


Héritage et influence de Michel-Ange

Pour la postérité, Michel-Ange est toujours resté l'un du petit groupe des artistes les plus exaltés, qui se sont sentis exprimer, comme William Shakespeare ou Ludwig van Beethoven, l'expérience tragique de l'humanité avec la plus grande profondeur et une portée universelle.

Contrairement à la grande renommée des œuvres de l'artiste, leur influence visuelle sur l'art ultérieur est relativement limitée. Cela ne peut s'expliquer par l'hésitation à imiter un art simplement parce qu'il paraissait si grand, car des artistes comme Raphaël étaient considérés comme tout aussi grands mais étaient utilisés comme sources à un degré beaucoup plus grand. Il se peut au contraire que le type particulier d'expression associé à Michel-Ange, d'une grandeur presque cosmique, ait été inhibant. L'influence limitée de son travail comprend quelques cas de dépendance presque totale, l'artiste le plus talentueux qui a travaillé de cette manière étant Daniele da Volterra. Sinon, Michel-Ange a été traité comme un modèle pour des aspects spécifiques limités de son travail. Au 17ème siècle, il était considéré comme suprême dans le dessin anatomique mais moins loué pour des éléments plus larges de son art. Alors que les maniéristes utilisaient la compression spatiale observée dans quelques-unes de ses œuvres, et plus tard les poses serpentines de sa sculpture de La victoire, le maître du XIXe siècle Auguste Rodin a exploité l'effet des blocs de marbre inachevés. Certains maîtres baroques du XVIIe siècle font peut-être référence à lui de la manière la plus complète, mais de manières qui ont été transformées pour exclure toute similitude littérale. Outre Gian Lorenzo Bernini, le peintre Peter Paul Rubens peut mieux montrer la facilité d'utilisation des créations de Michel-Ange pour un grand artiste ultérieur.


L'Italian Line a commencé à planifier de nouveaux navires en 1958. À l'origine, ils devaient être légèrement plus grands que le SS. Léonard de Vinci, qui était alors en construction, mais les avions à réaction n'avaient pas encore eu d'effet notable sur la région méditerranéenne et une paire de véritables superliners semblait souhaitable, tant d'un point de vue commercial que pour fournir des emplois aux marins et aux ouvriers des chantiers navals. Il a été décidé que les nouveaux navires seraient les plus grands construits en Italie depuis le SS Rex en 1932.

Il a été décidé que les logements à bord des navires seraient divisés en trois classes. Pour une raison quelconque, il a également été décidé que les trois ponts passagers les plus bas n'auraient pas de hublots. Il a été affirmé que cela donnait la forme élégante de la coque du navire, mais cela semble peu probable car des navires de rapport longueur/largeur similaire ont été construits avec des fenêtres sur toute la coque. Quelles que soient les lacunes de leur conception initiale, cependant, les nouvelles sœurs étaient avancées sur le plan technologique. La caractéristique la plus frappante des navires était leurs entonnoirs conçus par l'école polytechnique de Turin, qui consistaient en une tuyauterie complexe en treillis (au lieu de la surface plane traditionnelle) pour permettre au vent de passer à travers l'entonnoir, et une grande aileron de déflecteur de fumée sur le dessus . Bien que critiquée, la conception de l'entonnoir s'est avérée très efficace pour empêcher la fumée des ponts arrière. Les déflecteurs de fumée sont devenus populaires dans la conception des navires au cours des années 1970 et 1980, tandis que l'idée de laisser le vent passer à travers l'entonnoir a été reprise à la fin des années 1980 et est presque la norme dans la construction navale moderne.

Les Michel-Ange Les intérieurs ont été conçus par les architectes navals Nino Zoncada, Vincenzo Monaco et Amedeo Luccichenti, qui ont donné au navire un look moins aventureux et plus traditionnel que les concepteurs de sa sœur Raffaello.

Après plusieurs retards, le Michel-Ange, sous le commandement du capitaine principal Mario Crepaz, est finalement prêt à être mis en service en mai 1965. Lors des essais en mer, des vibrations sont détectées sur la poupe du navire. Michel-Ange a été mis en cale sèche en décembre 1965 et a reçu de nouvelles hélices et quelques modifications à sa transmission. Il a enregistré 31,59 nœuds lors de ses essais après radoub, ce qui en fait le cinquième navire à passagers le plus rapide au monde à l'époque.

Le mardi matin 12 avril 1966, cinq jours après avoir quitté Gênes, Michel-Ange, sous le commandement du capitaine principal Giuseppe Soletti, a été touchée par une vague inhabituellement grande lors d'une tempête au milieu de l'Atlantique, qui a provoqué l'effondrement ou la poussée vers l'arrière de la partie avant de sa superstructure, et a tué des passagers Dr. Werner Berndt de Hambourg, Allemagne et John Steinbach de Chicago. Un membre d'équipage, Desiderio Ferrari, est décédé quelques heures plus tard et plus de 50 personnes ont été blessées. Parmi les 1 495 passagers à bord de cette traversée figuraient l'amiral Ernesto Giurati, président de la ligne italienne et ancien chef de la marine italienne, le chef du protocole italien, Angelo Corrias, qui partait en vacances aux États-Unis, le romancier allemand Günter Grass et ses épouse Anna, ainsi que Bob Montana avec sa femme et ses quatre enfants. Lors des réparations effectuées après l'accident, les tôles d'aluminium de la superstructure ont été remplacées par des tôles d'acier. Une reconstruction similaire a été effectuée sur le Raffaello et d'autres navires contemporains comme le SS États Unis et SS La France. [1]

En mai 1972, Alfred Hitchcock a fait un voyage sur ce navire de New York à sa projection de Frénésie au Festival de Cannes.

Au cours des années suivantes, le nombre de passagers dans le commerce transatlantique a diminué régulièrement en raison de la concurrence aérienne, et de plus en plus de navires ont été retirés. Les Michel-Ange a passé plus de temps à naviguer dans des eaux plus chaudes, mais elle a fait un mauvais bateau de croisière avec ses cabines sans fenêtre et son agencement à trois classes. Elle avait de grands ponts lido qui étaient supérieurs à ceux de la plupart des navires de croisière spécialement construits à l'époque, mais cela ne suffisait pas à compenser les défauts du navire, et Italian Line n'avait pas assez de fonds pour reconstruire le navire afin d'en faire un navire plus utilisable. croiseur. De plus, elle était considérée comme trop grande pour être un navire de croisière selon les normes de l'époque.

SS phare de l'Italie Michel-Ange fait sa dernière traversée de l'Atlantique en juillet 1975, sous le commandement du capitaine principal Claudio Cosulich. Ensuite, elle a été mise à l'eau à La Spezia aux côtés de sa sœur. Plusieurs acheteurs (dont Knut Kloster de Norwegian Cruise Line) ont inspecté les navires mais n'ont pas souhaité les acheter en raison des coûts nécessaires pour les moderniser aux normes des navires de croisière. Il y avait un acheteur sérieux, Home Lines, qui souhaitait acheter les navires et les garder sous pavillon italien pour une croisière dans les Caraïbes. L'Italian Line a refusé de vendre les sœurs, apparemment parce qu'elles pensaient que garder le drapeau italien leur aurait associé les « perdants d'argent embarrassants ».

En 1976, un acheteur a été trouvé qui a accepté les conditions recherchées par Italian Line. Le Shah d'Iran a acheté les navires pour les utiliser comme casernes flottantes. Les navires qui avaient coûté 45 millions de dollars chacun étaient maintenant vendus au prix de 2 millions de dollars par navire. Les Michel-Ange s'est retrouvée à Bandar Abbas où elle devait passer les quinze prochaines années.

En 1978, des plans ont été faits pour le reconstruire en tant que bateau de croisière de luxe Scià Reza il Grande (en l'honneur de Rezā Shāh). Cependant, une équipe d'experts envoyée d'Italie pour inspecter le navire est parvenue à la conclusion qu'il était trop détérioré pour faire de la reconstruction une option viable. Des plans similaires ont été élaborés à nouveau en 1983, mais ils ont également échoué.

Enfin, en juin 1991, il est démoli au chantier de démolition de navires de Gadani, au Pakistan. [2]


Michel-Ange - Biographie et héritage

Michel-Ange est né de Leonardo di Buonarrota et Francesca di Neri del Miniato di Siena, une famille de banquiers de la classe moyenne dans le petit village de Caprese, près d'Arezzo, en Toscane. La maladie malheureuse et prolongée de sa mère a forcé son père à confier son fils à sa nourrice. Le mari de la nounou était tailleur de pierre, travaillant dans la carrière de marbre de son propre père.

Lorsque Michel-Ange avait six ans, sa mère est décédée, mais il a continué à vivre avec le couple et la légende raconte que cette situation non conventionnelle de l'enfance poserait les bases de son histoire d'amour avec le marbre.

À l'âge de 13 ans, il était clair pour son père que Michel-Ange n'avait aucune aptitude pour la vocation familiale. Le jeune garçon a été envoyé en apprentissage dans le célèbre studio de Domenico Ghirlandaio. Après seulement un an dans l'atelier, Lorenzo de' Medici de la célèbre famille de mécénat d'art florentin a demandé à Ghirlandaio deux de ses meilleurs élèves. Michel-Ange, ainsi que Francesco Granacci, ont été choisis pour fréquenter l'académie humaniste de la famille Médicis. C'était une période florissante dans la Florence de la Renaissance où les artistes étaient encouragés à étudier les sciences humaines, accentuant leurs efforts créatifs avec la connaissance de l'art et de la philosophie grecs et romains antiques. L'art s'éloignait de l'iconographie gothique et du travail de dévotion pour devenir une grande célébration de l'homme et de son importance dans le monde. Michel-Ange a étudié auprès du célèbre sculpteur Bertoldo di Giovanni, se familiarisant avec les grandes sculptures classiques du palais de Lorenzo.

Pendant ce temps, Michel-Ange a obtenu la permission de l'église catholique de Santo Spirito d'étudier les cadavres dans leur hôpital afin qu'il acquière une compréhension de l'anatomie. En retour, il leur a sculpté une croix de bois. Sa capacité à rendre avec précision le tonus musculaire réaliste du corps résulte de cette éducation précoce, comme en témoignent deux sculptures qui ont survécu à cette époque. Madonna assise sur une marche (1491) et Bataille des Centaures (1492).

Formation et travail précoces

Après la mort de Lorenzo di Medici en 1492, Michel-Ange est resté avec une relative sécurité à Florence. Mais lorsque la ville florentine est plongée dans la tourmente politique, la famille Médicis est expulsée et l'artiste s'installe à Bologne. C'est à Bologne qu'il reçut une commission pour terminer la sculpture du tombeau de saint Dominique, qui comprenait l'ajout d'une statue de saint Pétrone, un ange agenouillé tenant un chandelier, et saint Proculus.

Michel-Ange est revenu à Florence en 1494 après que la menace de l'invasion française s'est atténuée. Il a travaillé sur deux statues, Saint-Jean-Baptiste, et un petit cupidon. Les Cupidon a été vendu au cardinal Riario de San Giorgio, présenté comme une sculpture antique. Bien qu'agacé d'être dupé, le cardinal a été suffisamment impressionné par le travail de Michel-Ange pour l'inviter à Rome pour une autre commission. Pour cette commande, Michel-Ange a créé une statue de Bacchus, qui a été rejetée par le cardinal qui a jugé politiquement imprudent d'être associé à une figure nue païenne. Michelangelo was indignant - so much so that he later asked his biographer Condivi to deny the commission was from the Cardinal and instead to record it as a commission from his banker, Jacopo Galli. The artist's impetuous nature was already garnering him the reputation of being one who indignantly did what he wanted, oftentimes eschewing his patron's wishes or failing to complete work once started.

Michelangelo remained in Rome after completing the Bacchus, and in 1497 the French Ambassador, Cardinal Jean Bilhères de Lagraulas commissioned his Pietà for the chapel of the King of France in St Peter 's Basilica. Les Pietà was to become one of Michelangelo's most famous carvings, which the 16th-century biographer Giorgio Vasari, described as something "nature is scarcely able to create in the flesh." His acuity with emotional expression and lifelike realism in the piece, garnered the artist much awe and attention.

Although his status as one of the period's most talented artists following the completion of the Pietà was secure, Michelangelo didn't receive any major commissions over the next two years. Financially, however this absence of work wasn't of much concern. Wealth didn't seem to affect the artist's lifestyle. As he would say to Condivi towards the end of his life, "However rich I may have been, I have always lived like a poor man."

In 1497, the puritanical monk Girolamo Savonarola became famous for his Bonfire of the Vanities, an event in which he and his supporters burned art and books in Florence, causing a cease to what had been a thriving period of the Renaissance. Michelangelo would have to wait until Savonarola's ousting in 1498 before returning to his beloved Florence.

In 1501, his most notable achievement was born through a commission from the Guild of Wool to complete an unfinished project begun by Agostino di Duccio some 40 years earlier. This project, finally completed in 1504, was a majestic, 17-foot tall nude statue of the biblical hero David. The work was a testament to the artist's unparalleled excellence at carving breathtakingly precise depictions of real life out of inanimate marble.

Several painting commissions followed after David's completion. In particular, Michelangelo's only known finished painting that has survived, Doni Tondo (The Holy Family) (1504).

During this time of the High Renaissance in Florence, rivalries between Michelangelo and his artist peers abounded, each fighting for prime commissions and revered social status as noted masters of their fields.

Leonardo da Vinci had quickly risen to fame and the competition between he and Michelangelo was legendary. In 1503, Piero Soderini, the lifetime Gonfalonier of Justice (senior civil servant akin to a Mayor), commissioned them both to paint two opposing walls of the Salone dei Cinquecento in the Palazzo Vecchio. Both paintings were never finished and are unfortunately lost. Léonard de Vinci The Battle of Anghiari was painted over when Vasari later reconstructed the Palazzo. Michelangelo's work on The Battle of Cascina was interrupted in the preparatory drawing stage when Pope Julius II summoned him to Rome. Michelangelo was seduced by the flamboyant reputation of the patron Pope who was luring other artist peers such as Donato Bramante and Raphael to create exciting new projects. Never one to be bested by his rivals, he accepted the invitation.

Mature Period

In Rome, Michelangelo started work on the Pope's tomb, work that was to be completed within a five-year timeline. Yet, the artist would abandon the project after being cajoled by the Pope for another commission. The project was the painting of the Sistine Chapel's ceiling and rumor has it that Bramante, the architect in charge of rebuilding St. Peter's Basilica, was the one to convince the Pope that Michelangelo was the man for the job. Bramante was notoriously consumed by envy, and knowing that Michelangelo was better known for his sculptures rather than paintings, was certain that his rival would fail. He hoped this would cause the artist to fall out of popular favor. Michelangelo reluctantly accepted the commission.

Michelangelo would work on the Sistine Chapel for the next four years. It was a difficult job of extraordinary endurance, especially since the tempestuous artist had sacked all of his assistants save one who helped him mix paint. What resulted was a monumental work of great genius illustrating stories from the Old Testament including the Creation of the World and Noah and the Flood. Contrary to Bramante's hopes, it became (and remains) one of the greatest masterpieces of Western Art.

Another noted rival was the young 26-year-old Raphael who had burst upon the scene and was chosen in 1508 to paint a fresco in Pope Julius II's private library, a commission vied for by both Michelangelo and Leonardo. When Leonardo's health began to fail, Raphael became Michelangelo's greatest artistic adversary. Because of Raphael's acuity with depicting anatomy and his finesse for painting nudes, Michelangelo would often accuse him of copying his own work. Although influenced by Michelangelo, Raphael resented Michelangelo's animosity toward him. He responded by painting the artist with his traditional sulking face in the guise of Heraclitus in his famous fresco The School of Athens (1509-1511).

Following Pope Julius II's death in 1513 Michelangelo was commissioned by the new Pope Leo X to work on the façade of the Basilica San Lorenzo, the largest church in Florence. He spent the next three years on it before the project was cancelled due to lack of funds. In 1520, he received another commission for a Medici chapel in the Basilica of San Lorenzo on which he worked intermittently for the next twenty years. During those two decades, he would also complete an architectural commission for the Laurentian Library.

After the sack of Rome by Charles V in 1527, Florence was declared a republic and stayed under siege until 1530. Having worked prior to the siege for the defense of Florence, Michelangelo feared for his life and fled back to Rome. Despite his support for the republic, he was welcomed by Pope Clement and given a new contract for the tomb of Pope Julius II. It was also during this time he was commissioned to paint the fresco of the Last Judgement on the altar wall of the Sistine Chapel, a project that would take seven years.

Although a late bloomer relationship wise, at age 57, Michelangelo would establish the first of three notable friendships, sparking a prolific poetic output to add to his cadre of artistic talents. The first in 1532 was a 23-year-old Italian nobleman, Tommaso dei Cavalieri, who was not only the artist's young lover but remained a lifelong friend. The art historian, Howard Hibbard, quotes Michelangelo describing Tommaso as the "light of our century, paragon of all the world." The passionate affair provoked Michelangelo to produce a number of love poems so homoerotic in nature that his grandnephew, upon publishing the volume in 1623, changed the gender pronouns to disguise their homosexual context.

In 1536, Michelangelo found another lifelong object of affection, the widow, Vittoria Colonna, the Marquise of Pescara, who was also a poet. The majority of his prolific poetry is devoted to her, and his adoration continued until her death in 1547. He also gave her paintings and drawings, and one of the most beautiful to have survived is the black chalk drawing Pietà for Vittoria Colonna of 1546. She was the only woman who played a significant part in Michelangelo's life and their relationship is generally believed to have been platonic. During this period, he also worked on a number of architectural commissions including the Church of Santa Maria degli Angeli and the Sforza Chapel in the Basilica di Santa Maria Maggiore, as well as the Capitoline Hill. He also received commissions for two frescos in the Cappella Paolina the Conversion of St Paul, and the Crucifixion of St Peter.

In 1540, Michelangelo met Cecchino dei Bracci, son of a wealthy Florentine banker, at the Court of Pope Paul III, who was only 12 years old. The epitaphs Michelangelo wrote following Cecchino's death four years later reveal the extent of their relationship, suggesting they were lovers. In particular one, which includes the graphic allusion, "Do yet attest for him how gracious I was in bed. When he embraced, and in what the soul doth live."

Late Period

It was Pope Julius II who, in 1504, proposed demolishing the old St Peter's Basilica and replacing it with the "grandest building in Christendom." Although the design by Donato Bramante had been selected in 1505, and foundations lain the following year, not much progress had been made since. By the time Michelangelo reluctantly took over this project from his noted rival in 1546 he was in his seventies, stating, "I undertake this only for the love of God and in honor of the Apostle."

Michelangelo worked continuously throughout the rest of his life on the Basilica. His most important contribution to the project was his work upon the dome in the eastern end of the Basilica. He combined the design ideas of all the prior architects who had given input on the work, which imagined a large dome comparable to Brunelleschi's famous dome in Florence, and coalesced them with his own grand visions. Although the dome was not finished until after his death, the base on which the dome was to be placed was completed, which meant the design of the dome could not be altered significantly in its completion. Still the largest church in the world, it remains a testament to his genius and his devotion. He continued to sculpt but did so privately for personal pleasure rather than work. He completed a number of Pietàs incluant le Disposition (which he attempted to destroy), as well as his last, the Rondanini Pietà, on which he worked until the last weeks before his death.

It's been said that it takes 10,000 hours of deliberate practice to become world class in any field. Michelangelo epitomized this ideal as he started his career as a mere boy and continued working until his death at 88 years old.

His great love Tommaso remained with him until the end when Michelangelo died at home in Rome following a short illness in 1564. Per his wishes, his body was taken back to Florence and interred at the Basilica di Santa Croce.

The Legacy of Michelangelo

Along with Leonardo da Vinci and Raphael, Michelangelo is regarded as one of the three giants of the Renaissance, and a major contributor to the Humanist movement. Humanity, in both its relationship to the divine and non-secular reality was central to his painting and sculpture. He was a master at depicting the body with such technical accuracy that marble was seemingly transformed into flesh and bone. His adeptness with human emotionality and expression inspired humility and veneration. The psychological insight and physical realism in his work had never been portrayed with such intensity before. Le sien Pietà, David, et le Chapelle Sixtine have been maintained and preserved and continue to draw crowds of visitors from all over the world. His lifetime achievements give credence to the title commonly bestowed to him of Il Divino (The Divine).

Michelangelo's influence on other artists was profound and has continued from Raphael in his time to Rubens, through to Bernini, and the last great sculptor to follow his tradition of realism, Rodin.

His fame, established when he was in his early twenties, has continued to our time. As for his genius look to Galileo, who claimed he was born a day earlier, to coincide with the day Michelangelo died, alluding to the assertion that genius never dies.


How Did Michelangelo Change the World?

Michelangelo changed the world by helping people view art and artists differently. His art was remarkable because of this, the world began to recognize artists and their art as important additions to society.

Prior to Michelangelo, artists did not receive individual attention or notoriety for their work. They were seen as nothing more than journeymen.

Michelangelo changed the world's opinion of artists through his extraordinary works of art. With groundbreaking art, he created some of the most revered pieces known to man his attention to detail made these works remarkable. Michelangelo was best known as a sculptor, and his infamous David, with lifelike characteristics carved in marble, is still considered a masterpiece. Other notable sculptures include Pieta, Moses, and Madonna and Child.

Michelangelo was not just a sculptor he was an important painter and prolific architect as well. His paintings are considered some of the world's greatest showpieces. These paintings include the elaborate and detailed Sistine Chapel ceiling, which includes various painted elements to form a large scheme within the Chapel. As an architect, he designed the final plans for the St. Peter's Cathedral in the Vatican.

His work is considered the beginning of the High Renaissance, a period of time where the world came to recognize and appreciate the value of visual arts.


Réalisations

  • His early studies of classical Greek and Roman sculpture, coupled with a study of cadavers, led Michelangelo to become an expert at anatomy. The musculature of his bodies is so authentically precise that they've been said to breathe upon sight.
  • Michelangelo's dexterity with carving an entire sculpture from a single block of marble remains unparalleled. He once said, "I saw the angel in the marble and carved until I set him free." He was known as one who could conjure real life from stone.
  • The artist's feisty and tempestuous personality is legendary. He often abandoned projects midway through or played out his pride or defiance of conventionality through controversial means such as painting his own face on figures in his work, the faces of his enemies in mocking fashion, or unabashedly portraying sacred characters in the nude.
  • Michelangelo's most seminal pieces: the massive painting of the biblical narratives in the Sistine Chapel, the 17-foot tall testament to male perfection David, and the heartbreakingly genuine Pietà are considered some of the world's most genius works of art, drawing large numbers of tourists to this day.

Madonna of Bruges

Les Madonna of Bruges is a marble sculpture by Michelangelo of the Virgin and Child.

Madonna and Child
ArtisteMichel-Ange
Année1501–1504
TaperMarbre
Dimensions200 cm (79 in)
EmplacementOnze Lieve Vrouwekerk, Bruges
Coordonnées Coordinates: 51°12′17″N 3°13′28″E  /  51.20472°N 3.22444°E  / 51.20472 3.22444

Michelangelo's depiction of the Madonna and Child differs significantly from earlier representations of the same subject, which tended to feature a pious Virgin smiling down on an infant held in her arms. Instead, Jesus stands upright, almost unsupported, only loosely restrained by Mary's left hand, and appears to be about to step away from his mother. Meanwhile, Mary does not cling to her son or even look at him, but gazes down and away. It is believed the work was originally intended for an altar piece. If this is so, then it would have been displayed facing slightly to the right and looking down. The early 16th-century sculpture also displays the High Renaissance Pyramid style frequently seen in the works of Leonardo da Vinci during the late 1400s.

Madonna and Child shares certain similarities with Michelangelo's Pietà, which was completed shortly before – mainly, the chiaroscuro effect and movement of the drapery. The long, oval face of Mary is also reminiscent of the Pietà.

The work is also notable in that it was the only sculpture by Michelangelo to leave Italy during his lifetime. In 1504, it was bought by Giovanni and Alessandro Moscheroni (Mouscron), who were wealthy cloth merchants in Bruges, [1] then one of the leading commercial cities in Europe. The sculpture was sold for 4,000 florins.

The sculpture was removed twice from Belgium after its initial arrival. The first was in 1794 after French Revolutionaries had conquered the Austrian Netherlands during the French Revolutionary Wars the citizens of Bruges were ordered to ship it and several other valuable works of art to Paris. It was returned after Napoleon's final defeat at Waterloo in 1815. The second removal was in 1944, during World War II, with the retreat of German soldiers, who smuggled the sculpture to Germany enveloped in mattresses in a Red Cross truck. [2] It was discovered a year later in Altaussee, Austria within a salt mine and again returned. It now sits in the Church of Our Lady in Bruges, Belgium. This is represented in the 2014 film The Monuments Men.


The Creation of Adam, by Michelangelo

Of all the marvelous images that crowd the immense complex of the Sistine Ceiling, La création d'Adam is undoubtedly the one which has most deeply impressed posterity. No wonder, for here we are given a single overwhelming vision of the sublimity of God and the potential nobility of man unprecedented and unrivaled in the entire history of visual art. No longer standing upon earth with closed eyes and mantle, the Lord floats through the heavens, His mantle widespread and bursting with angelic forms, and His calm gaze accompanying and reinforcing the movement of His mighty arm. He extends His forefinger, about to touch that of Adam, who reclines on the barren coast of earth, barely able as yet to lift his hand. The divine form is convex, explosive, paternal the human concave, receptive, and conspicuously impotent. The incipient, fecundating contact about to take place between the two index fingers has often been described as a spark or a current, a modern electrical metaphor doubtless foreign to the sixteenth century, but natural enough considering the river of life which seems about to flow into the waiting body.

Genesis tells how the Lord created Adam from the dust of the earth and breathed into his nostrils the breath of life. This story is never illustrated literally in Renaissance art. Usually, as in Jacopo della Quercia's beautiful relief on the facade of the church of San Petronio in Bologna, which must have impressed the young Michelangelo deeply, the Creator stands on earth and blesses the already formed body of Adam, read together with the ground, since his name in Hebrew means earth. Michelangelo's completely new image seems to symbolize a still further idea - the instillation of divine power in humanity, which took place at the Incarnation. Given Cardinal Vigerio's reiterated insistence on the doctrine of the two Adams, and the position of the scene immediately after the barrier to the sanctuary, at the spot where the Annunciation customarily appeared, and after Ezekiel with his vision of the Virgin Birth, this would seem natural enough. The scene recalls the famous verses from Isaiah, "Who hath believed our report ? and to whom is the arm of the Lord revealed ? For he shall grow up before him as a tender plant, and as a root out of a dry ground . . " invariably taken by theologians to foretell the Incarnation of Christ, shoot of Jesse's rod. Two striking visual elements make clear that this was one of the passages that actually recommended to Michelangelo by his probable adviser, Cardinal Vigerio. First, the mighty right arm of the Lord is revealed, naked as in no other of His appearances on the Sistine Ceiling, nor anywhere else, as far as I have been able to determine, in all of the Christian art prior to this time. (The left arm is clothed, at least to the elbow, by a white sleeve.) Second, directly under Adam, the arm of the veiled youth to the left above the Persian Sibyl projects into the scene - a matter that involved considerable advance planning - coming as close to touching Adam's thigh as the Creator does his finger. This hand holds a cornucopia bursting with Rovere leaves and acorns, appearing to grow from the dry ground, as full of potency as Adam ("ground") is empty of it. Such an image is characteristic not only of Michelangelo, who insofar as possible preferred to show male figures, including that of Christ, completely naked, but of the Roman High Renaissance and of Julius II himself, whose language as recorded by his astonished contemporaries overflows with boasts of his own physical strength and potency.


Michelangelo Artworks

This statue of Bacchus depicts the Roman god of wine precariously perched on a rock in a state of drunkenness. He wears a wreath of ivy and holds a goblet in one hand, brought up toward his lips for a drink. In the other hand, he holds a lion skin, which is a symbol for death derived from the myth of Hercules. From behind his left leg peeks a satyr, significant to the cult of Bacchus often representing a drunken, lusty, woodland deity.

The work, one of Michelangelo's earliest, caused much controversy. It was originally commissioned by Cardinal Riario and was inspired by a description of a lost bronze sculpture by the ancient sculptor Praxiteles. But when Riario saw the finished piece he found it inappropriate and rejected it. Michelangelo sold it to his banker Jacopo Galli instead.

Despite its colored past though, the piece is evidence of Michelangelo's early genius. His excellent knowledge of anatomy is seen in the androgynous figure's body which Vasari described as having the "the slenderness of a young man and the fleshy roundness of a woman." A high center of gravity lends the figure a sense of captured movement, which Michelangelo would later perfect even further for David. Although intended to mimic classical Greek sculpture and distressed toward an antique appearance, Michelangelo remained true to what in visual human terms it means to be drunk the unseemly swaying body was unlike any depiction of a god in classical Greek and Roman sculpture. Art historian Claire McCoy said of the sculpture, "Bacchus marked a moment when originality and imitation of the antique came together."

Marble - Museo del Bargello, Florence

Pietà

This was the first of a number of Pietàs Michelangelo worked on during his lifetime. It depicts the body of Jesus in the lap of his mother after the Crucifixion. This particular scene is one of the seven sorrows of Mary used in Catholic devotional prayers and depicts a key moment in her life foretold by the prophet, Simeon.

Cardinal Jean de Bilhères commissioned the work, stating that he wanted to acquire the most beautiful work of marble in Rome, one that no living artist could better. The 24-year-old Michelangelo answered this call, carving the work in two years out of a single block of marble.

Although the work continued a long tradition of devotional images used as aids for prayer, which was developed in Germany in the 1300s, the depiction was uniquely connotative of Italian Renaissance art of the time. Many artists were translating traditional religious narratives in a highly humanist vein blurring the boundaries between the divine and man by humanizing noted biblical figures and taking liberties with expression. Mary was a common subject, portrayed in myriad ways, and in this piece Michelangelo presented her not as a woman in her fifties, but as an unusually youthful beauty. As Michelangelo related to his biographer Ascanio Condivi, "Do you not know that chaste women stay fresh much more than those who are not chaste?"

Not only was Pietà the first depiction of the scene in marble, but Michelangelo also moved away from the depiction of the Virgin's suffering which was usually portrayed in Pietàs of the time, instead presenting her with a deep sense of maternal tenderness for her child. Christ too, shows little sign of his recent crucifixion with only slightly discernible small nail marks in his hands and the wound in his side. Rather than a dead Christ, he looks as if he is asleep in the arms of his mother as she waits for him to awake, symbolic of the resurrection.

A pyramidal structure signature to the time was also used: Mary's head at the top and then the gradual widening through her layered garments to the base. The draped clothing gives credence to Michelangelo's mastery of marble, as they retain a sense of flowing movement, far removed from the typical characteristic of stone.

This is the only sculpture Michelangelo ever signed. In a fiery fit of reaction to rumors circulating that the piece was made by one of his competitors, Cristoforo Solari, he carved his name across Mary's sash right between her breasts. He also split his name in two as Michael Angelus, which can be seen as a reference to the Archangel Michael - an egotistical move and one he would later regret. He swore to never again sign another piece and stayed true to his word.

Les Pietà became famous immediately following its completion and was pivotal in contributing to Michelangelo's fame. Despite an attack in 1972, which damaged Mary's arm and face, it was restored and continues to inspire awe in visitors to this day.

Marble - St. Peter's Basilica, Vatican City, Rome

David

This 17 foot tall statue depicts the prophet David, majestic and nude, with the slingshot he used to kill Goliath, slung victoriously over one shoulder.

The piece was commissioned by the Opera del Duomo for the Cathedral of Florence, a project that was originally meant to be a series of sculptures of prophets for the rooftop. Although David's familiarity stems from the classic religious tale, the statue became not only a rendition of the tale, but a symbol for the new Florentine Republic of its defiant independence from Medici rule.

Considered one of Michelangelo's great masterpieces. An exquisite example of his knowledge of anatomy can be seen in David's musculature, his strength emphasized through the classical contraposte stance, with weight shifting onto his right leg. A sense of naturalism is conveyed in the way the body stands determined, a confident glare on the young man's face. The top half of the body was made slightly larger than the legs so that viewers glancing up at it or from afar would experience a more authentic perspective. The realism was seen as so powerful that Vasari praised it as Michelangelo's "miracle. to restore life to one who was dead."

During the Early Renaissance, Donatello had revived the classical nude as subject matter and made a David of his own. But Michelangelo's version, with its towering height, is unmistakably the most iconic version. As was customary to Michelangelo and his work, this statue was simultaneously revered and controversial.

The plaster cast of David now resides at the Victoria and Albert Museum. During visits by notable women such as Queen Victoria, a detachable plaster fig leaf was added, strategically placed atop the private parts.

On another occasion, a replica of David was offered to the municipality of Jerusalem to mark the 3,000th anniversary of King David's conquest of the city. Religious factions in Jerusalem urged that the gift be declined because the naked figure was considered pornographic. A fully clad replica of David by Andrea del Verrocchio, a Florentine contemporary of Michelangelo, was donated instead.

Galleria dell'Accademia, Florence - Marble

Doni Tondo (Holy Family)

Holy Family, the only finished panel painting by the artist to survive, was commissioned by Agnolo Doni for his marriage to Maddalena Strozzi, daughter of a powerful Tuscan family, which gives it its name. It portrays Jesus, Mary, Joseph, and an infant John the Baptist. The intimate tenderness of the figures governed by the father's loving gaze emphasizes the love of family and divine love, representing the cores of Christian faith. In contrast, the five nude males in the background symbolize pagans awaiting redemption. The round (tondo) form was customary for private commissions and Michelangelo designed the intricate gold carved wooden frame. The work is believed to be entirely by his hand.

We find many of the artist's influences in this painting, including Signorelli's Madone. It is also said to have been influenced by Leonardo's The Virgin and Child with St Anne, a cartoon (full scale drawing) that Michelangelo saw while working on his David in 1501. The nude figures in the background are said to have been influenced by the ancient statue of Laocoon et ses fils (the Trojan priest) attributed to the Greek sculptors Agesander, Athenodoros and Polydorus, which was excavated in Rome in 1506 and publicly displayed in the Vatican.

Yet influences aside, the piece is distinctly Michelangelo, an example of his individualism, which was considered very avant-garde for the time. It was a significant shift from the serene, static rendition of figures depicted in classical Roman and Greek sculpture. Its twisting figures signify enormous energy and movement and the vibrant colors add to the majesty of the work, which were later used in his frescos in the Sistine Chapel. The soft modelling of the figures in the background with the focused details in the foreground gives this small painting great depth.

This painting is said to have laid the foundations of Mannerism which in contrast to the High Renaissance devotion to proportion and idealized beauty, preferred exaggeration and affectation rather than natural realism.

Tempera on panel - Galleria degli Uffizi, Florence

La création d'Adam

This legendary painting, part of the vast masterpiece that adorns the Sistine Chapel, shows Adam as a muscular classical nude, reclining on the left, as he extends his hand toward God who fills the right half of the painting. God rushes toward him, his haste conveyed by his white flaring robe and the energetic movements of his body. God is surrounded by angels and cherubim, all encased within a red cloud, while a feminine figure thought to be Eve or Sophia, symbol of wisdom, peers out with curious interest from underneath God's arm. Behind Adam, the green ledge upon which he lies, and the mountainous background create a strong diagonal, emphasizing the division between mortal he and heavenly God. As a result the viewer's eye is drawn to the hands of God and Adam, outlined in the central space, almost touching. Some have noted that the shape of the red cloud resembles the shape of the human brain, as if the artist meant to imply God's intent to infuse Adam with not merely animate life, but also the important gift of consciousness.

This was an innovative depiction of the creation of Adam. Contrary to traditional artworks, God is not shown as aloof and regal, separate and above mortal man. For Michelangelo, it was important to depict the all-powerful giver of life as one distinctly intimate with man, whom he created in his own image. This reflected the humanist ideals of man's essential place in the world and the connection to the divine. The bodies maintain the sculptural quality so reminiscent of his painting, carrying on the mastery of human anatomy signature to the High Renaissance.

Many subsequent artists have studied and attempted to imitate parts of the work for what art historians Gabriele Bartz and Eberhard König called its "unprecedented invention." It is also one of the most parodied of Michelangelo's works, seen as humorous inspiration for The Creation of Muppet by artist James Hance in homage to Muppets creator Jim Henson used in the title sequence of the television arts program The Southbank Show borrowed from for the promotional poster for Steven Spielberg's movie HE and derived from for artist TasoShin's The Creation of Mario in homage to Miyamoto's contribution to Nintendo games.

Fresco - Sistine Chapel, Vatican City, Rome

Moïse

This grand epic sized statue depicts Moses seated regally to guard the tablets written with the Ten Commandments. His expression is stern, reflecting his anger at seeing his people worshipping the golden calf on his return from Mount Sinai.

Michelangelo's reputation following the sculpture of David reached Pope Julius II in Rome who commissioned the artist to come and work on his tomb. The ambitious artist initially proposed a project of over 40 figures. Yet In the final structure the central piece became this sculpture of Moses. Not only has he rendered the great prophet with a complex emotionality, his work on the fabric of Moses' clothes is noted for its exquisite perfection and look of authenticity. Again, he managed to craft a visage of seeming real life out of stone.

Pope Julius II famously interrupted Michelangelo's work on the tomb so that he could paint the Sistine Chapel. The final tomb wasn't finished until after the Pope's death in 1513, to be finally completed in 1545.

This sculpture has been at the center of much analysis, with Sigmund Freud having purportedly spent three weeks in 1913 observing the emotions expressed by the sculpture, concluding it was a supreme vision of self-control. Part of the controversy hinged around what appear to be horns protruding from Moses' head. While some see them as symbolic of his anguish, others believe them to hearken to a Latin mistranslation of the Bible in which instead of rays of light illuminating the radiance of Moses, he appears to be growing horns. This can stem from the Hebrew word Keren, which can mean 'radiated light' or 'grew horns.'

The work was eventually housed in the church of San Pietro in Vincoli in Rome where Pope Julius II had been Cardinal.

Marble - San Pietro Vincoli, Rome

The Last Judgement

This fresco covers the entire altar wall of the Sistine Chapel and is one of the last pieces in the seminal building that was commissioned by Pope Clement VII when Michelangelo was 62. In it we see the Second Coming of Christ as he delivers the Last Judgement. The monumental work took five years to complete and consists of over 300 individual figures. The scene is one of harried action around the central figure of Christ, his hands raised to reveal the wounds of his Crucifixion. He looks down upon the souls of humans as they rise to their fates. To his left, the Virgin Mary glances toward the saved. On either side of Christ is John the Baptist and St Peter holding the keys to heaven. Many of the saints appear with examples of their sacrifices. Particularly interesting is St Bartholomew, martyred by the flaying of his skin, the face on which is said to be a self-portrait of Michelangelo. The saved souls rise from their graves on the left helped by angels. On the right, Charon the ferryman is shown bringing the damned to the gates of Hell. Minos, assuming the role Dante gave him in his Inferno, admits them to Hell. Another noteworthy group are the seven angels blowing trumpets illustrating the Book of Revelation's end of the world.

In usual Michelangelo fashion, the artist depicted the traditional scene with elements of controversy, particularly by rendering its subjects nude with extremely muscular anatomies. His rendition of a beardless Christ was unusual for the time, as was the use of figures from pagan mythology. Vasari reports that the Pope's Master of Ceremonies, Biagio da Cesena, called it a disgrace "that in so sacred a place there should have been depicted all those nude figures, exposing themselves so shamefully." Michelangelo, angry at the remark, is said to have painted Cesena's face onto Minos, judge of the underworld, with donkey's ears. Cesena complained to the Pope at being so ridiculed, but the Pope is said to have jokingly remarked that his jurisdiction did not extend to Hell.

materials - Fresco, Sistine Chapel, Vatican City

The Deposition

This piece is not only sculpturally complex and indicative of Michelangelo's genius, but it carries layers of meaning and has sparked multiple interpretations. In it, we see Christ the moment after the Deposition, or being taken down from the cross of his crucifixion. He is falling into the arms of his mother, the Virgin Mary, and Mary Magdalene, whose presence in a work of such importance was highly unusual. Behind the trio is a hooded figure, which is said to be either Joseph of Arimathea or Nicodemus, both of whom were in attendance of the entombment of Christ, which would follow this event. Joseph would end up giving his tomb for Christ and Nicodemus would speak with Christ about the possibility of obtaining eternal life. Because Christ is seen falling into the arms of his mother, this piece is also often referred to as a pieta.

The multiple themes alluded to in this one piece: The Deposition, The Pieta, and The Entombment are further emphasized by the way Michelangelo carved it. Not only is it life like and intense with realism, it was also sculpted so that a person could walk around to observe and absorb each of the three narratives from different perspectives. The remarkable three-dimensionality allows the group to interact within each of the work's meanings.

The work is also a perfect example of Michelangelo's temperament and perfectionism. The process of making it was arduous. Vasari relates that the artist complained about the quality of the marble. Some suggest he had a problem with the way Christ's left leg originally draped over Nicodemus, worrying that some might interpret it in a sexual way, causing him to remove it. Perhaps Michelangelo was so particular with the piece because he was intending it for his own future tomb.

In 1555, Michelangelo attempted to destroy the piece causing further speculation about its meaning. There is a suggestion that the attempted destruction of the piece was because Nicodemus, by reference to his conversation with Christ about the need to be born again to find everlasting life, is associated with Martin Luther's Reformation. Michelangelo was known to be a secret sympathizer, which was dangerous even for someone as influential as he was. Perhaps a coincidence, but his Lutheran sympathies are given as one of the reasons why Pope Paul IV cancelled Michelangelo's pension in 1555. One of Michelangelo's biographers Giorgio Vasari also mentions that the face of Nicodemus is a self-portrait of Michelangelo, which may allude to his crisis of faith.

Although Michelangelo worked on this sculpture over a number of years he was unable to complete it and gave the unfinished piece to Francesco Bandini, a wealthy merchant, who commissioned Tiberio Calcagni, a friend of Michelangelo's, to finish it and repair the damage (all except for replacing Christ's left leg).

Marble - Museo dell'Opera del Duomo, Florence

Pietà Rondanini

Pietà Rondanini is the last sculpture Michelangelo worked on in the weeks leading up to his death, finalizing a story that weaved through his many Pietas and now reflective of the artist's reckoning with his own mortality. The depiction of Christ has changed from his earlier St. Peter's Pieta in which Christ appeared asleep, through to his Déposition, where Christ's body was more lifeless, to now, where Christ is shown in the utter pain and suffering of death. His mother Mary is standing in this piece, an unusual rendition, as she struggles to hold up the body of her son while immersed in grief.

What's interesting about this work is that Michelangelo abandoned his usual perfection at carving the body even though he worked on it intermittently for over 12 years. It was a departure that so late in his prolific career signified the enduring genius of an artist whose confidence would allow him to try new things even when his fame would have allowed him to easily rest upon his laurels. The detached arm, the subtle sketched features of the face, and the way the figures almost blend into each other provide a more abstracted quality than was his norm, and all precursors of a minimalism that was yet to come in sculpture. The renowned sculptor Henry Moore later said of this piece, "This is the kind of quality you get in the work of old men who are really great. They can simplify, they can leave out. This Pietà is by someone who knows the whole thing so well he can use a chisel like someone else would use a pen."

This sculpture's importance was ignored for centuries, including its disappearance from public discourse until it was found in the possession of Marchese Rondanini in 1807. It has since excited many modern artists. The Italian artist Massimo Lippi is quoted as saying that modern and contemporary art began with this Pietà, and the South African painter, Marlene Dumas, based her Homage to Michelangelo (2012) on this work.


Voir la vidéo: Documentaire: Michel Ange,une vie de génie (Mai 2022).


Commentaires:

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